Seperti yang ditunjukkan dalam satu kajian, dapat berguna untuk belajar dari tuan-tuan yang datang sebelum ini untuk mendapatkan inspirasi dan mencari cara-cara menghampiri cabaran yang timbul. Bagi mereka yang mencari lukisan, terdapat beberapa pengarang utama yang boleh belajar dari.
oleh Naomi Ekperigin
Potret Madame d'Haussonville oleh Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1842, grafit, 9 3/16 x 7¾. Koleksi Muzium Seni Fogg di Harvard University, Cambridge, Massachusetts. |
"Saya percaya lukisan adalah asas kepada semua seni, " kata artis Mary Reilly. Dia tidak bersendirian dalam sentimen ini. Ramai artis percaya bahawa kemahiran lukisan adalah penting untuk bekerja dalam mana-mana medium, walaupun lukisan bukanlah kepentingan utama seseorang. Dari awal lagi ada artis yang menghargai lukisan sebagai kerja siap dalam hak mereka sendiri. Artis-artis ini menaikkan lagi medium dan menunjukkan luas peluang yang tersedia untuk mereka yang ingin meneroka menggambar lebih lanjut.
Jean-Auguste-Dominique Ingres
Pelukis Neoklasik Perancis Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867) adalah pelukis yang dilahirkan. Dari usia muda, ayahnya memupuk kemahirannya dalam lukisan, dan pada 17 Ingres pergi ke Paris untuk belajar di bawah Jacques-Louis David, yang merupakan "czar seni" rasmi Napoleon semasa Revolusi Perancis. Walaupun sangat dipengaruhi oleh pelukis Renaissance Raphael, dan pelukis berbakat sendiri, ia adalah lukisan dan potret Ingres yang mana dia paling terkenal.
Ingres berpindah ke Itali pada tahun 1808 selepas memenangi Grand Prix de Rome, biasiswa seni terkemuka Perancis. Di sana, dia mengasah kerajinannya, yang diilhami oleh karya Old Master. Untuk menyokong dirinya dan isterinya, beliau menerima komisen lukisan dari negeri itu dan menyelesaikan beratus-ratus potret grafit untuk pelancong, pembesar-pembesar perjalanan, dan kekayaan yang kaya. Potret-potret kecil ini adalah "karya seni yang hebat, menangkap keajaiban bakat, ciri, pose, kostum, atmosfer, dan karakter, " tulis ahli sejarah seni Stephen Longstreet. "Rakyat sebenarnya. Mereka bernafas dan wujud dengan kuat di bumi."
Kajian Lembaran Wanita untuk Mandi Turki oleh Jean-Auguste- Dominique Ingres, ca. 1830, pen, dakwat coklat, dan grafit pada dua helai bersekutu, 6¾ x 4¾. Koleksi Louvre, Paris, Perancis. |
Keupayaan untuk menangkap realiti adalah kerana kemahiran teknikal dan kebiasaannya dengan anatomi. Dengan pengetahuan semula jadi tentang bentuk manusia, artis itu dapat dengan mudah membuat kain tirai dengan cara yang mengikut bentuk badan dalam setiap lipatan dan lipatan. Keupayaan artis untuk menangkap rupanya berasal dari kesetiaannya hingga tepat, yang dikembangkannya melalui lukisan. Ingres adalah laci kompulsif, mendesak pelajar untuk menarik mata apabila mereka tidak dapat melakukannya dengan pensil. Untuk lukisan dan muralnya dicat, dia kadang-kadang membuat beratus-ratus lukisan persediaan. Dia seolah-olah mencari langkah ini proses yang lebih memuaskan daripada lukisan mural sebenar, yang kadang-kadang dia ditinggalkan. "Tahap-tahapnya ialah: belajar dari kehidupan, membongkar kebenaran dari pengalaman, mengkuadratkan, membesarkan, mengangkut ke kanvas, kembali, jika perlu untuk model untuk ini atau terperinci, " tulis Avigdor Arikha dalam JAD Ingres: Lima puluh Gambar Kehidupan Dari Musée Ingres di Montauban, katalog untuk pameran di Muzium Seni Halus, Houston. "Meminta Count de Pastoret untuk sarung tangannya atau kembali ke lengan kiri Madame Moitessier, melukiskan saiz hidupnya untuk menukarnya langsung ke kanvas, kembali lagi dan lagi. Ini adalah ketika Ingres terjebak. Ia adalah satu proses yang terlalu rumit-hampir tidak obsesif, tujuannya adalah untuk mendekati kebenaran perkara itu."
Artis semua peringkat boleh belajar dari perhatian Ingres ke butiran. Etika kerja beliau sangat mengagumkan, dan dia mencipta lukisan yang secara tekal menyenangkan dan emosional bergema. "Daripada semua tuan yang saya pelajari, saya paling menikmati karya Ingres, " kata Reilly. "Bahan pilihan Ingres adalah pensil grafit yang tajam dan kertas putih lancar. Beliau percaya warna tidak lebih daripada aksesori untuk melukis. Kepada beliau, lukisan bukan sekadar garis. Ia adalah ekspresi, bentuk dalaman, komposisi, dan pemodelan. "Ini adalah pandangan ini yang telah mempengaruhi seni moden dan generasi moden abad ke-20 dari Degas ke Dinnerstein.
Duduk wanita bogel oleh Pierre-Paul Prud'hon, 22 x 15. Koleksi Metropolitan Muzium Seni, New York, New York. |
Pierre-Paul Prud'hon
Seperti Ingres, Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823) diiktiraf sebagai pelukis, tetapi lukisan adalah asas untuk karyanya. Dikenali pada zamannya untuk lukisan alur-alur dan mitosnya, ia kini menjadi lukisan angka yang memberi inspirasi kepada para penonton. Sebagai seorang pelajar seni di Dijon Academy pada awal 1780-an, Prud'hon menumpukan perhatian kepada latihan yang ketat dalam lukisan yang dianggap perlu bagi semua yang mengharapkan karier yang berjaya sebagai seorang artis. Kajian-kajian akademik yang diambil dari model hidup-adalah cara pelajar mengasah kemahiran mereka, menyelesaikan ratusan lukisan ini pada masa mereka bersedia untuk meneruskan profesion mereka. Proses itu mengambil masa bertahun-tahun dan menenggelamkan beberapa aspiran, sama ada disebabkan oleh dedikasi atau bakat. Walaupun latihan yang ketat dan panjang ini mungkin menyusahkan para pelajar hari ini, lukisan angka ini penting bagi para artis, yang kebanyakannya membuat kajian ini sepanjang kerjaya mereka untuk idea dan amalan.
Académie of a Seated Man oleh Pierre-Paul Prud'hon, kapur hitam dan putih pada kertas biru, 14 9/17 x 10 ?. Koleksi Musee Baron Martin, Kelabu, Perancis. |
Prud'hon adalah salah seorang artis sedemikian, dan lebih daripada sezamannya, dia berpegang pada académies sepanjang kariernya. Apa yang lebih penting lagi, mungkin, adalah bahawa Prud'hon datang untuk menyokong gambar-gambar ini lukisan-lukisan selesai, walaupun kerjaya beliau maju. Menjelang 1788, artis itu telah membangunkan gaya tandatangan angka-angka yang digambarkan dalam kapur berwarna pada kertas berwarna. Lukisan sering dibina dalam beberapa lapisan, termasuk penetasan dan laluan meluas toning dan stumping. Dengan mencampurkan garisan, nada, dan pelbagai teknik, Prud'hon mempersembahkan artis dengan pelbagai kemungkinan ekspresif kapur dan kertas. "Kajian Prud'hon menyampaikan perasaan emosi yang kuat, " kata Reilly. "Tanda-tandanya kelihatan longgar dan bebas, tetapi mereka diletakkan dengan sempurna." Persekongkolan artis Kenneth Procter, "Prud'hon menyelesaikan beberapa lukisan di mana inti bayang-bayang berjalan seperti garis-garis sepanjang panjang pose, mendedahkan setiap nuansa otot - ia benar-benar menakjubkan. "Dengan pengetahuannya mengenai tubuh manusia yang begitu mendalam, dia boleh memberi tumpuan kepada subjeknya dan menghidupkannya dengan kehidupan, menandakan dengan cepat dan bertindak segera kepada pemikirannya sendiri tanpa bimbang tentang anatomi atau verisimilitude.
Pada usia dini, Prud'hon menambah "Paul" untuk namanya, sebagai penghormatan kepada pelukis Flemish, Peter Paul Rubens (1577-1640), yang juga pelukis tuan. Prud'hon berkongsi cita-cita artis terhadap tokoh manusia dan pengetahuan mendalam mengenai anatomi, tetapi di sinilah persamaan mereka berakhir. Rubens adalah penyokong gaya Baroque, yang dikenali dengan penekanannya pada warna, detail mewah, dan pergerakan yang dinamik. Prud'hon, sebaliknya, melepaskan gerakan dramatik dan menumpukan perhatian kepada cara cahaya bergerak melintasi bentuk. Bagaimanapun, apa yang Prud'hon belajar daripada pendahulunya adalah pentingnya sentiasa mencipta kerja baru, tanpa mengira gaya. Rubens adalah salah seorang pelukis yang paling produktif dan pelbagai zamannya, dengan output yang termasuk altarpieces, lukisan sejarah, potret, dan landskap, serta buku ilustrasi dan reka bentuk seni bina.
Assumption of the Virgin oleh Peter Paul Rubens, ca. 1612, dakwat coklat dan cuci coklat, warna badan putih, dan kapur hitam pada coklat kertas, 11? x 9 ?. Koleksi Albertina Muzium Vienna, Austria. |
Duduk Wanita Muda Dengan Lengan yang Dipegang oleh Peter Paul Rubens, 1631-1632, kapur hitam dan merah dengan putih ketinggian, 16 x 19 11/16. Koleksi Staatliche Museen zu Berlin, Kupferstichkabinett, Berlin, Jerman. |
Peter Paul Rubens
Di samping itu, artis itu menghasilkan beratus-ratus lukisan, yang memainkan pelbagai peranan sokongan dalam karyanya sejak awal kariernya. Sebagai seorang artis muda, dia menghabiskan banyak masa menyalin karya master; satu langkah ke Itali pada tahun 1600 mengalihkan subjeknya kepada karya para tuan Renaisans. Tujuan karya lukisan oleh Titian, Michelangelo, dan Raphael bukan hanya untuk belajar. Sebagai penasihat artis John A. Parks menyatakan, "Ia sebenarnya merupakan percubaan untuk menggali ikonografi dan komposisi yang ada supaya dia boleh mengumpulkan perpustakaan imej peribadi untuk kegunaan kemudian. Apa artis paling bernilai dalam lukisan ini bukan kaligrafi peribadi mereka atau kualiti penyampaian, tetapi hanya maklumat reka bentuk mereka."
Rubens menggunakan perpustakaan imej ini untuk memberi inspirasi untuk altarpieces yang besar yang ditugaskan untuk dibuat. Dia akan memulakan kerja-kerja besar ini dengan lukisan awal dalam kapur hitam atau coklat, maka dia akan membuat lakaran minyak. Selepas ini, artis itu kembali ke lukisan, membuat kepingan yang lebih besar daripada model hidup menggunakan kapur hitam. Lukisan yang lebih besar itu membolehkannya memasukkan lebih terperinci dan ketepatan anatomi, dan menanamkan subjeknya dengan keberanian yang sengaja diucapkan para seniman Baroque.
Walaupun Rubens mungkin teringat sedikit daripada lukisannya, artis hari ini boleh memungut banyak daripada kerja persediaannya. Lukisannya berkhidmat untuk memperkaya lukisannya dan membantunya dalam setiap peringkat prosesnya. Apabila dia akhirnya meletakkan minyak ke kanvas, dia mempunyai visi yang jelas dan pasti bagaimana untuk melaksanakannya. Melalui lukisan, Rubens memperluaskan perbendaharaan kata visualnya, membolehkannya mencipta beratus-ratus karya cemerlang.
Wanita Dengan Anak Mati oleh Käthe Kollwitz, 1903, etsa. Koleksi Galeri Nasional Seni, Washington, DC. |
Käthe Kollwitz
Pelukis, pembuat cetak dan pengukir Jerman, Käthe Kollwitz (1867-1945), mungkin lebih dikenali dengan masalahnya daripada kemahirannya. Etchings, lithographs, dan lukisannya adalah terutamanya dari golongan pekerja kelas yang dia lihat di sekelilingnya, dan dia membentangkan penonton dengan memindahkan akaun penderitaan dan perjuangan manusia. Sambungan emosinya yang mendalam kepada subjeknya membolehkannya mencipta seni yang masih bergema dengan penonton hari ini, dan boleh memberi inspirasi kepada artis yang ingin menangani masalah subjek peribadi dan / atau politik. "Saya telah diambil oleh karya awal Kollwitz dan kedalaman bentuknya yang diperolehnya daripada kerja kerasnya, " kata artis dan pengajar, Dan Gheno. "Saya juga menghargai kekuatan emosi dalam kerjanya. Dia mengajar saya bahawa saya boleh pergi lebih jauh daripada bentuk permukaan jika saya melihat ke dalam diri saya."
Potret diri oleh Käthe Kollwitz, 1924, lithograph. |
Kollwitz sering bekerja dalam kitaran, menangani topik pemberontakan dan perubahan sejarah. Yang pertama dalam siri-siri ini ialah The Weavers, yang terdiri daripada tiga lithographs dan tiga etchings berdasarkan drama dram Jerman Dr Gerhart Hauptmann tentang pemberontakan gagal pada tahun 1842. Karya-karya Kollwitz bukan merupakan ilustrasi harfiah mengenai fakta-fakta sejarah atau penyesuaian Hauptmann; Sebaliknya, dia memberi tumpuan kepada penderitaan, harapan, dan ketabahan para pekerja. Apabila potongan-potongan ini dipamerkan kepada orang ramai pada tahun 1898, artis itu mendapat pujian luas, dan ia masih merupakan salah satu projeknya yang paling terkenal. Ini kemudian diikuti oleh siri Perang Petani (1902-1908), berdasarkan pemberontakan kaum petani Jerman 1522-1525. Pada masa siri ini, artis itu dianggap sebagai salah satu seniman grafis Jerman yang paling penting pada zamannya.
Selain beragam masalahnya, Kollwitz meneroka pelbagai teknik dalam mencetak dengan siri-siri ini, termasuk foto-etching, intaglio, dan warna percetakan litografi. Pada masa ini, dia mempermudahkan kerja beliau, meninggalkan pendekatan realistis yang sangat terperinci memihak kepada naratif emosi. Ini adalah komitmen untuk tema humanis dan hubungan emosi yang membantu membezakan kerja Kollwitz.
Potret Igor Stravinsky oleh Pablo Picasso, 1920, grafit, Koleksi Musee Picasso, Paris, Perancis. |
Pablo Picasso
Pablo Picasso (1881-1973) adalah seorang artis terkenal antarabangsa, seorang yang tinggal di Eropah semasa zaman yang goyah dan menggunakan seninya untuk menafsirkan pesat, dan, kadang-kadang ganas, perubahan yang berlaku di sekelilingnya. Walaupun artis itu selesai beratus-ratus lukisan yang dia terkenal, lukisannya adalah teras kerja beliau. "Kesan evolusi Picasso sebagai seorang artis dan ikon terletak pada penggambarannya-di sinilah eksperimen dan penemuan visualnya dihasilkan, " kata artis dan guru Lisa Dinhofer. Seorang artis dengan pengetahuan mendalam tentang asas-asas dan latihan akademik yang luas, Picasso mampu untuk membina subjek, menjadikannya dalam garis yang paling sedikit yang diperlukan, dan mencapai intinya. "Ia mengambil pengetahuan terperinci tentang pelukis tuan untuk menggambarkan objek dalam bentuk yang paling sederhana, " kata Dinhofer. "Tidak dengan tanda Conté yang melembutkan, bukannya dengan penumpukan silang untuk kelantangan, bukan dalam warna grafit yang berlapis untuk memodelkan kawasan, tetapi garis langsung menyampaikan semua bentuk dan ruang."
Nusch Eluard oleh Pablo Picasso, 1938, arang dan grafit pada kanvas. |
Kerja lin Picasso menunjukkan bentuk dalaman dan luaran subjeknya, dan dia boleh mengisi pesawat gambar dengan mengeluarkan butiran volumetrik. Ini dapat dilihat dalam potret seperti Max Jacob, Potret Erik Satie, dan Helena Rubenstein. Melihat percubaannya dengan garis dan bentuk, para seniman dapat memahami bagaimana Picasso memaksa penonton untuk melihat objek dengan cara yang baru, dan masih menolak batas kami hari ini. Karya-karyanya Guernica, yang dibuat pada tahun 1937, merangkumi teori dan eksperimen yang berubah-ubah dengan garis. Seperti yang dicatat oleh Dinhofer, "Komposisi itu hanya berdasarkan pada juxtaposition ruang dan garis. Pedalaman dan landskap yang digambarkan adalah rata, menolak setiap angka ke arah depan. Hasilnya adalah serangan kuat … dicapai dengan garis berani, tak terpotong, bentuk potongan, dan satah gambar yang dimampatkan."