Lukisan grafit provokatif dan tegang Catherine Murphy menentang kategori, meninggalkan penonton yang tertanya-tanya sama ada dia menganggap abstraksi atau realisme abstrak.
oleh Lisa Dinhofer
Mowed Field 1985, grafit, 14 x 17. Semua karya seni artikel ini koleksi peribadi kecuali dinyatakan sebaliknya. |
Kek tunggal dalam ketuhar yang menyala, kerusi yang terukir kucing, belakang kanvas yang diregangkan, dan timbunan penyapu dari lantai kotor-ini adalah yang luar biasa, namun begitu biasa, imej dari pelukis yang luar biasa dan pelukis Catherine Murphy. Luar biasa kerana imej yang dipilih jarang ditunjukkan sebagai subjek untuk lukisan besar, kompleks, indah yang diberikan; dan biasa kerana mereka menggambarkan setiap hari, pengalaman biasa. Lagipun, siapa yang tidak menyapu lantai?
Catherine Murphy sekaligus menjadi seorang minimalis, seorang realis, seorang tuan rumah gaya Renaissance Utara, dan artis abstrak abad ke-21. Adakah ini mungkin? Adakah percanggahan ini? Atau aspek yang berbeza dari batu permata yang sama? Mari kita ambil idea masing-masing secara berasingan: Murphy menggabungkan gambarnya sebagai pelukis abstrak, memerhati dari kehidupan sebagai pelukis realis, membuat setiap detail seperti master Renaissance Utara, dan merawat permukaannya sama-milimeter dengan milimeter-seperti yang minimalis. "Perdebatan adalah cara menuju keharmonian, " kata Murphy dalam perbualan telefon baru-baru ini. Ini mungkin menjadi kunci kepada mengapa karya seni Murphy telah menarik perhatian dan memalsukan dunia seni New York sejak awal 1970-an.
Lahir di Cambridge, Massachusetts, pada tahun 1946, Murphy datang ke New York City untuk belajar, lulus dari Pratt Institute dan Skowhegan School of Painting & Sculpture pada pertengahan 1960-an. Masa di sini adalah penting. 60-an dan 70-an awal adalah masa penapaian hebat di tempat kejadian seni New York. Ia adalah masa abstraksi berbanding perwakilan-tidak boleh kedua-duanya didamaikan, adalah pemikiran kritikal yang meluas. Artis yang ditubuhkan dan dikenali adalah Abstrak Ekspresionis. "Angka itu mati, oleh itu lukisan kiasan sudah mati!" Adalah tangisan biasa.
Jangan pernah berkata tidak, dan tidak pernah mengatakan mati. Alice Neel, Philip Pearlstein, Alex Katz, dan Neil Welliver di Pantai Timur-bersama Wayne Thiebaud, David Park, dan Richard Diebenkorn di Barat menghidupkan semula. Lukisan wakil telah dipertimbangkan semula. Catherine Murphy berasal dari zaman sekarang. Pertunjukan New York pertamanya di galeri koperasi bernama First Street. Dia cepat ditarik selepas pertunjukan ini oleh peniaga terkenal Xavier Fourcade dan kini diwakili oleh Knoedler & Company dari New York City. Murphy telah menerima banyak geran dan anugerah daripada organisasi seperti Yayasan Guggenheim, Yayasan Ingram Merrill, dan Akademi Seni dan Surat Amerika. Hari ini, dia adalah pengkritik kanan di Universiti Yale, di New Haven, Connecticut, dan terus menunjukkan karya seninya secara teratur. Pertunjukan solo terbaru beliau dalam karya seni adalah di Knoedler Gallery pada tahun 2008.
Berpecah 2007, grafit, 36 x 42 1/2. Koleksi Maxine dan Stuart Frankel Foundation untuk Seni, Bloomfield Hills, Michigan. |
Apa yang membezakan Murphy sebagai artis adalah arka pertumbuhannya dari lukisan pertamanya yang diketahui pada tahun 70-an dan 80-an hingga sekarang. Mowed Field (1985) adalah lukisan landskap yang indah tanpa prejudis, tetapi selamat. Penonton diposisikan pada jarak konvensional dari tempat kejadian, cukup jauh untuk melihat ruang indah ini melalui gerbang cawangan proscenium dan cahaya matahari. Ia adalah landskap yang indah, tetapi satu yang boleh diramalkan yang telah kita alami sebelum ini. Bandingkan Bidang Mowed ke Split (2007). Kami tidak lagi berada pada jarak yang selamat tetapi sebaliknya dipaksa mendalam ke tempat di mana batang pohon mati telah dipecah oleh manusia dan alam semula jadi. Kami melihat teras batinnya dan merasakan tekstur kayu membusuk ketika ia kembali ke lantai tanah. Setiap gandum ditarik, setiap rumpai terdedah. Skala ini juga berubah daripada kecil dan intim (14 "x 17") dari medan yang dipotong ke batang pokok besar dan agresif yang ditarik pada permukaan 36 "-x-42 1/2". Murphy telah menolak imejnya ke wajah kami. Kami telah menjadi peserta yang aktif secara fizikal dalam karyanya.
Ini adalah radikal. Ini berbahaya. Sesetengah artis meminta banyak penonton mereka. Dalam Lampu Ketuhar, kita membungkuk untuk melihat ke dalam ketuhar terbuka di atas kek lap, timah dan semua. Sudut lukisan dibulatkan untuk meningkatkan pengalaman yang dikenali ini.
Murphy tidak mengambil jalan pintas dalam renderingnya; tidak ada ruang kosong di mana-mana lukisannya. Tiada tempat untuk menangkap nafas kami. Kami terpaksa melambatkan dan benar-benar mengalami semua itu. Sangat sukar untuk berjalan dengan cepat oleh mana-mana bahagian ini. Karya seni ini memerlukan masa untuk melihat-dan banyak masa untuk dicipta. Split mengambil tiga musim cerah pagi untuk mendapatkan cahaya yang tepat, menurut artis. Cahaya Oven mengambil masa sehingga enam bulan untuk disiapkan, dengan artis membekukan kek dalam timah setiap malam. Kebanyakan lukisan Murphy bertujuan untuk disiapkan; mereka tidak preludes untuk lukisan. Sesetengah lukisan, mengikut artis, boleh mengambil lebih banyak masa untuk disiapkan daripada lukisan.
Banyak lukisan Murphy menyatakan momen dalam masa-iaitu, tempoh antara tindakan dan resolusinya. Dalam Tumpahan lukisan, kita menjadi saksi kepada kaca pecah dengan tumpahan susu yang tersebar di atas meja kayu. Kita dapat melihat tumpahan hanya apabila refleksi tingkap yang indah mencecah sekumpulan susu. Kesimpulan? Hampir tidak. Tiada yang masih hidup Murphy berlaku.
Cahaya ketuhar 2008, grafit, 29 5/8 x 37. |
Penglihatan mungkin bersifat sementara tetapi rendering tidak. Membina persediaan ini adalah proses yang direka dengan teliti. Bagaimanakah anda mengandungi imej susu tumpah selama beberapa bulan semasa anda menunggu untuk melihat hanya pantulan yang betul? Sebagai jawapan, Murphy menumpahkan gesso putih di atas meja kayu dan membolehkannya mengeras dan kering. Gesso malangnya kering matte, yang merupakan permukaan yang salah untuk menangkap cahaya, jadi Murphy menolak media akrilik di atas untuk memberikan tumpahan glossy, permukaan reflektif.
Pada mulanya, menurut artis, kaca dalam lukisan itu tidak terputus. "Lukisan itu tidak berfungsi, " kata artis itu. "Saya akan datang ke studio setiap hari, dan ia tidak berfungsi. Akhirnya saya mengambil tukul dan memecahkan gelas, dan di sana. "Inilah sebabnya lukisan Murphy terasa segera. Mereka mengejutkan kami kerana artis sanggup mengambil risiko sekeping enam bulan dengan menghancurkan tukul. Sekarang, Spill mempunyai garis cerita dengan kelebihan yang ganas. Siapa yang menumpahkan susu, dan mengapa? Siapa yang memecahkan kaca, dan bagaimana? Siapa yang akan membersihkannya pada hari yang cerah?
Semua lukisan terkini Murphy adalah hitam dan putih dan sepenuhnya nada. Ini adalah dua pilihan yang berbeza. Lukisan tonal adalah satu di mana permukaan dibina dari masa ke masa, menghapuskan garisan yang memisahkan tepi objek ke tanah. "Untuk lukisan yang mungkin mengambil masa berbulan-bulan, saya menghabiskan kira-kira sejam pada baris awal." Murphy menyatakan. Salah satu cara untuk mengkaji teknik seorang artis ialah mencari kawasan yang mungkin tidak lengkap. Di kawasan ini kita dapat melihat tangan artis. Dalam kes Murphy, tempat terbaik untuk dilihat ialah di pinggir imej, di mana garis penentuan berlaku di antara kertas putih dan grafit. Biasanya kawasan ini dilindungi oleh tikar dalam bingkai. Rak Studio, apabila diperhatikan dengan teliti, mendedahkan permukaan grafit yang banyak dibina pada kertas kelas berat. Murphy menggunakan kertas Arches dari roll, biasanya 140-lb, dan 5B Prismacolor Turquoise pensil grafit tajam ke titik jarum. Dia membina permukaan grafit dengan bekerja ke dalam gelap, meninggalkan putih kertas sebagai sorotan paling ringan. Kadang-kala artis itu bekerja dari kiri ke kanan, secara beransur-ansur melapik gambar dengan grafit dan mengurangkannya dengan penghapus sehingga kesan yang betul dicapai. Bekerja dari gulungan kertas dan bukan kepingan individu membolehkan artis memilih saiz dan bentuk pesawat gambarnya. Sebagai contoh: Studio Rak langkah 29½ "x 36 3/4", Split ialah 36 "x 42 1/2", dan Swept Up adalah 25 5/8 "x 33 1/2".
Rak Studio 2008, grafit, 29 1/2 x 36 3/4. |
Pemilihan hitam dan putih adalah penting. Sebahagian daripada pengalaman emosi pemerhatian diambil dengan penyingkiran warna. Lukisan-lukisan ini menjadi kewartawanan dalam pembentangan mereka. Fokus adalah objek, hubungan antara objek, dan cahaya yang jatuh pada mereka. Menariknya, untuk menghasilkan objek yang boleh dipercayai dalam nilai, artis mesti berpengalaman dalam tindak balas warna. Setiap kelabu menggambarkan Manik Kuning berwarna yang berbeza, kelabu manik kuning adalah sama sekali berbeza daripada warna daging dari leher pengasuh atau hijau dari blausnya. Drama adalah unsur lain yang wujud dalam lukisan hitam-putih dengan pelbagai nilai yang luas. Kisah imej menjadi kunci, seperti dalam Scratches. Inilah kisah kucing ghaib, kerusi keluarga, dan kemusnahannya.
Meminta artis untuk menamakan artis yang paling dikagumi adalah perniagaan yang rumit, terutamanya kerana rasa dan pendapat berubah begitu kerap. Pengaruh hari ini mungkin akan berubah pada waktu pagi. Jadi apa-kita bertanya pula. Jawapan Murphy untuk soalan ini menarik. Pelukis Minimalis Robert Mangold dan Ellsworth Kelly adalah pengaruh utama. Dalam lukisan dan lukisan minimalis, idea menjadi kunci, dan gaya menjadi tidak relevan kerana terdapat sedikit, jika ada, di permukaan. Kepentingan minimalis ialah geometri pesawat terbang. Catherine Murphy suka geometri-ia adalah cara dia mengarang halamannya. Sebagai contoh, Swept Up menggambarkan baki serpihan dengan tanda dari sapu yang menunjuk ke arah bujur itu. Murphy merawat permukaannya secara merata dari kiri ke kanan, dan tanpa perubahan fokus ini dapat meratakan bidang gambar, seperti dalam beberapa karya seni minimalis. Tetapi di sini pengaruh berhenti. Bagi sesetengah orang, minimalism adalah akhir. Untuk Murphy, ia hanya permulaan.
Tumpahan 2007, grafit, 28 x 40. |
Semangat sebenar Murphy adalah pemerhatian-benar kepada apa yang dilihatnya. Menjadi benar pada visi fizikal seseorang membawa seluruh elemen baru ke halaman, tidak sekurang-kurangnya dimensi psikologi dan fizikal subjek. Sebagai contoh, Eileen's Back adalah kajian geometri belakang wanita. Ya, tetapi orang tidak dapat menolak hakikat bahawa ini adalah wanita yang berusia pertengahan umur yang sangat berbelok ke belakang, komposisi dipotong di leher untuk memusatkan perhatian pada bilah bahu antara tali bra nya. Kami menyentuh kulitnya dengan mata kami. Dalam Muncul, kita mempunyai pandangan tetikus pada satu longgokan debu. Singkatnya, minimalis menolak kami, tetapi Murphy membawa kami dekat dan peribadi. Kadang-kadang terlalu rapat, dan terlalu peribadi? Sudah tentu, dia menunjukkan kepada kita sudut-sudut kehidupan kita diabaikan. Terdapat puisi di sudut, dan muzik. Tetapi tidak ada cinta-seni Murphy adalah seni yang nyata dan tidak bervarnasi.