Artis akrilik, majalah seni teratas yang didedikasikan untuk pelukis akrilik yang bekerja, menceritakan Ana Schmidt dalam isu Winter 2016. Selepas menghabiskan masa dengan Schmidt, ada lebih banyak kisahnya daripada yang akan dimuatkan di halaman majalah jadi di sini lebih banyak kisahnya! Ketahui cara Schmidt melihat, menafsirkan dan mengkaji warna semasa lukisan, dan bagaimana anda boleh menguasai teknik warna juga!
Q: Ana, lukisan anda sangat terperinci. Di mana kita melihat warna bir dan cokelat anda melihat lebih banyak warna yang mencipta penampilan warna terakhir?
Saya meluangkan masa hampir setiap hari di easel saya meneroka cara bentuk dan warna berkaitan-ini membolehkan saya membuat setiap lukisan lebih baik daripada yang sebelumnya. Saya bertanya pada diri sendiri soalan seperti: warna apa yang menjadi teduhan bangunan di bawah cahaya jalan buatan atau di sebelah pokok hijau di hadapan grafiti oren? Apabila anda berfikir tentang perkara itu, anda mula memahami warna. Pendekatan kepada warna lukisan mesti sentiasa memberi tumpuan kepada hubungan mereka dengan satu sama lain. Saya sentiasa menilai betapa cahaya atau objek gelap di sebelah yang lain, betapa hangat atau sejuk dan berkuasa warna. Walaupun kebanyakan kelabu mempunyai semua warna utama di dalamnya, primari jarang dalam jumlah yang sama. Di bawah cahaya utara, lampu akan menjadi lebih biru dan bayang-bayang lebih hangat, sementara sebaliknya adalah benar di bawah sinar yang hangat. Jika warna kelihatan berlumpur, mungkin kerana ia adalah suhu yang salah.
Q: Apakah manfaat menggunakan palet warna terhad?
Mula-mula, anda mesti terus melihat seluruh lukisan untuk memastikan anda mempunyai warna yang dibarisi. Semua pelukis yang hebat bekerja dengan percubaan dan kesilapan-semuanya membuat pelarasan ketika mereka bekerja. Palet saya sangat terhad dan saya membina lukisan melalui siri-siri penghakiman yang berhati-hati, supaya permukaan mengambil kekayaan butiran dan tekstur. Palet terhad menyatukan permukaan dan memberikannya kuasa yang jelas. Melangkah dengan perlahan-lahan dan memerhatikan subjek itu sebagai bentuk abstrak-membantu mengekalkan cat saya dapat berfungsi.
Q: Bercakap tentang proses anda apabila anda meneroka kawasan atau tempat untuk melukis.
Lukisan adalah tentang pemerhatian dan pemahaman bagaimana untuk menerjemahkan apa yang kita lihat melalui bahasa cat. Tugas kita sebagai seorang artis adalah mempelajari bentuk, perkadaran, nilai, tepi, suhu warna dan tekstur yang disediakan oleh alam dan manusia, dan menggunakannya untuk menyampaikan apa yang kita rasa dan berfikir. Ia serupa dengan apa yang dibuat novelist dalam mencipta watak-watak dan adegan berdasarkan kepada orang sebenar dan peristiwa: Realiti menyediakan bahan mentah dan artis membentuknya menjadi bentuk seni.
Mula-mula saya menumpukan pada struktur asas imej yang saya pilih untuk cat, memudahkannya untuk membuat kenyataan yang lebih kuat. Saya sering memohon peraturan ketiga dalam komposisi saya, dan tarik tepi dan bentuk di bahagian mendatar dan menegak ini. Saya membuat lakaran dan kemudian memutuskan sama ada subjek mungkin terbaik dicat dalam bentuk mendatar panjang, format persegi, menegak tinggi atau segi empat tepat standard. Hanya beberapa baris sahaja yang diperlukan untuk membuat penilaian tersebut. Saya sering meletakkan objek supaya ada keseimbangan asimetris di sekitar pusat dan bukannya melekat titik fokus secara langsung di tengah.
Langkah seterusnya ialah lukisan dalam nilai asas. Banyak karya master dibina terutamanya pada tiga nilai. Adalah penting untuk mengetengahkan lampu dan gelap dalam cara estetik yang menyenangkan. Selepas itu, bekerja dengan warna lukisan akan lebih mudah. Palet terhad menyatukan lukisan dan memastikan keharmonian warna yang lebih baik, dan ia menghasilkan grays yang bagus yang membolehkan warna kroma bersebelahan lebih tinggi untuk melepaskan kanvas.