Laci yang paling besar di dunia boleh menjadi seorang perantis perempuan kepada seorang artis lain di rococo Perancis, atau seorang pelukis Renaissance yang tidak dapat dilihat oleh silap mata tuan yang diakui dari negara bandaraya yang lebih berkuasa di sana, atau pengajar seni yang merosakkan diri yang sedang bekerja di Minnesota.
Memilih 10 laci teratas sepanjang masa adalah permainan ruang tamu yang bernilai meragukan. Sebaliknya, kami memutuskan untuk mengira bilangan kali tokoh sejarah dirujuk atau diterbitkan semula dalam 10 isu pertama majalah Lukisan dan mempamerkannya dengan ulasan yang menggambarkan dari seorang artis kerja yang bijak dan wakil dari salah satu institusi seni yang paling dihormati di negara ini.
Setiap 10 seniman yang dipaparkan di sini menawarkan lukisan kecantikan yang indah; tetapi, lebih penting untuk tujuan kami, masing-masing menawarkan pandangan dan pelajaran yang boleh digunakan oleh pelukis. Kami meneroka mengapa kerja individu-individu ini sangat menginspirasi.
Leonardo da Vinci
Leonardo da Vinci (1452-1519) adalah superstar pertama yang tidak dapat disangkal oleh seni, dan geniusnya tidak dapat dipertikaikan. Tetapi, Efraim Rubenstein, seorang artis yang mengajar di Liga Pelajar Seni di New York, di Manhattan, mencampur kekagumannya kepada Leonardo dengan titik bahawa walaupun hebat Renaisans ini tidak muncul dari vakum.
"Leonardo mendapat begitu banyak daripada Andrea del Verrocchio, yang merupakan seorang guru yang luar biasa, " kata Rubenstein. "Semua orang keluar dari tradisi; tiada siapa yang datang dari mana-mana. Leonardo mempelajari permulaan sfumato dari [gurunya], di antara banyak perkara lain."
Melahirkan anak haram seorang peguam di bandar Tuscan Vinci, Itali, Leonardo seorang saintis, seorang pencipta, pelopor dalam kajian anatomi dan pelukis karya-karya The Last Supper dan Mona Lisa-manusia prototipikal Renaissance.
Rubenstein merujuk kepada garisnya sebagai "mellifluous, lembut dan anggun. Dia tidak melakukan apa-apa yang tidak mempunyai lengkung yang paling indah. "Tetapi buku sketsanya adalah yang menjadikan Leonardo seorang inovator.
"Dia adalah salah seorang lelaki pertama yang bercakap tentang mengambil buku nota ke jalan-jalan, " jelas Rubenstein. "Leonardo berkata anda mesti mempunyai hubungan langsung dengan kehidupan dan memerhati tindakan lelaki."
Sumber:
- Leonardo da Vinci Jurugambar Perisik, oleh Carmen C. Bambach (Muzium Seni Metropolitan, New York, New York)
- Leonardo da Vinci: Lukisan dan lukisan yang lengkap, oleh Frank Zollner dan Johannes Nathan (Taschen, Cologne, Jerman)
Michelangelo Buonarotti
Siling Kapel Sistina-Nya adalah salah satu yang paling terkenal dalam sejarah seni, tetapi mereka yang berminat dalam lukisan memberi tumpuan kepada lebih daripada 90 karya tulis kapur dan Michelangelo (1475-1564) yang dibuat sebagai persediaan untuk komisen ini dan lain-lain.
Sesetengah artis telah menarik selari antara karya tuan Itali ini dan bentuk fantastik, yang terikat pada otot dalam buku komik. Tetapi jika mana-mana pelukis bercita-cita selama 50 tahun yang lalu telah menghampiri anatomi manusia yang mengalir dalam komik dengan kekaguman, dia telah datang ke karya Michelangelo dengan kagum.
"Dengan penguasaannya pada lukisan, arca dan senibina, tiada artis-dengan pengecualian mungkin Leonardo-lebih berbakat secara teknikal, " kata Rhoda Eitel-Porter, ketua jabatan lukisan di Perpustakaan Morgan, di New York City.
"Angka-angkanya selalu mengerahkan diri, " kata Rubenstein. "Mereka berusaha untuk sesuatu tetapi terikat. Semua otot ditegang secara serentak, yang tidak mungkin secara anatomi, tetapi sangat puitis. Michelangelo membuat landskap badan manusia."
Alasannya adalah logik: Michelangelo adalah pemahat. Pemisahan antara sentuhan dan visual yang dipecah; artis itu melihat dan menarik dalam tiga dimensi. "Michelangelo [memahami] bahawa otot tertentu mempunyai ciri-ciri telur, dan dia [akan pergi] setelah bentuk itu dengan kapurnya, " kata Rubenstein, sambil menunjukkan bahawa tanda pada lukisannya semakin mengasah pada bidang yang lebih lengkap dalam bentuk cara yang sama dengan garis pahat pada patung belum selesai. Seniman meletakkan menetas kasar di beberapa tempat, lebih berhati-hati menentukan crosshatching pada orang lain, dan nada yang dipoles di kawasan paling siap.
Kerja Michelangelo ditandakan dengan dua ciri lain: dedikasinya yang hampir lengkap kepada bogel lelaki dan sensualitas yang ada di dalam seninya. Malah angka wanita di kepalanya dimodelkan selepas lelaki, dan bahkan tirainya sensual.
"Dia boleh mengatakan semua yang dia mahu katakan dengan telanjang lelaki, " kata Rubenstein. "Dia tidak terganggu oleh apa-apa lagi-bukan landskap, tidak lagi hidup, bukan nudes perempuan. Kecuali seni bina, Michelangelo secara monolitik menumpukan pada bogel lelaki, dan bahkan di bangunannya, paralel boleh dibuat kepada tubuh."
Sumber:
- Lukisan Michelangelo: Lebih dekat kepada Guru, oleh Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
- Pelajaran Dari Michelangelo, oleh Michael Burban (Penerbitan Watson-Guptill, New York, New York)
Albrecht Dürer
Albrecht Dürer (1471-1528) boleh dikatakan sebagai pembuat cetakan terbesar dalam sejarah. Beliau menerbitkan lebih daripada 350 ukiran dan kayu api dan menyelesaikan sekurang-kurangnya 35 lukisan minyak, menghasilkan lebih daripada 1, 000 lukisan awal dan cat air dalam proses.
Dürer mencipta beberapa cetakan yang dikenali ramai dan ikon, dan artis Nuremberg sangat dihormati dan berpengaruh di kalangan laci. Penggambaran bentuknya yang tersendiri - tidak menjadi pencapaian yang mudah dengan alat ukiran yang tegar, tidak dibenarkan - adalah sebab begitu banyak pelukis belajar dan mengagumi pekerjaannya.
"Lukisannya keluar dari kepekaan cetak, " komen Rubenstein. "Dia tidak boleh meletakkan nada; dia terpaksa menetas. Dan tiada siapa yang tinggal dalam bentuk dengan kekejaman Dürer."
Beliau adalah virtuosic, tetapi mungkin tidak inovatif. "Saya fikir dia banyak menerima daripada orang Itali, " kata Rubenstein, merujuk kepada lawatan artis ke Venice untuk melihat seorang kawan dan menyiasat seni dan idea-idea Renaissance Itali. Tetapi bakatnya bukan hanya dalam pelaksanaan tekniknya. Dürer memuat banyak kandungan dalam ukiran seperti Knight, Death, and Devil-termasuk dua tokoh phantasmagorical yang mempesona namun tidak menguasai seluruh komposisi-tetapi mata mudah merapatkan idea utama apabila ia tidak berpesta dengan hebat akar dan kerikil diberikan.
Ketahui kekuatan lakaran dalam e-book percuma Lukisan Lukisan Pelajaran kami. Hanya masukkan e-mel anda di bawah untuk mula menikmati lukisan peneroka seni seperti ini
[fw-capture-inline campaign = "RCLP-confirmation-pencil-drawing-drawing" thanks = "Thanks for downloading!" interest = "Art" offer = "/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf"
"Anda memberi respons kepada keamatan dan kepadatan imej, " kata Rubenstein. "Dürer [menggambarkan] kebiasaan fenomena semula jadi secara terperinci, namun dia mampu mengekalkan komposisi besar yang jelas dan kuat dengan semua ini terjadi. Dia tahu bahawa walaupun di dalam kebuk-kebun pokok itu, dia telah mundur sedikit sehingga jam akan datang. Dia [dikawal] begitu banyak-dia seperti penyerang yang mempunyai 30 bola di udara."
Sumber:
- Ukiran Lengkap, Etchings, dan Drypoints Albrecht Dürer, oleh Albrecht Dürer (Penerbitan Dover, Mineola, New York, New York)
- Albrecht Dürer dan Legacynya: Kerja Grafis Artis Renaisans, oleh Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)
Peter Paul Rubens
Stereotip itu mempunyai seniman yang hidup dengan gaya hidup Bohemia yang miskin, tetapi Peter Paul Rubens (1577-1640) adalah bukti bahawa beberapa artis mencapai kejayaan besar. Dengan kebanyakan akaun, Rubens adalah artis yang dihormati, kaya dan gembira yang juga mengumpulkan barang-barang antik, menimbulkan keluarga besar, dan memperoleh perjanjian damai atau dua ketika berkhidmat sebagai diplomat peringkat tinggi. Beliau adalah seorang lelaki yang sibuk tindakan, dan kertas tidak pernah berlarutan dengan hampir-hampir-hampir semua lukisan beliau adalah kajian awal untuk komisen yang lebih besar.
Satu lagi keajaiban pada lukisan-lukisan Rubens yang yakin dan indah berdasarkan pengetahuan bahawa dia pasti akan menganggap mereka dokumen kerja, tidak sesuai untuk pameran. Apa yang membuatnya istimewa adalah "penguasaannya terhadap teknik kapur, " menurut Eitel-Porter. "Dia hanya memerlukan sedikit sebatan untuk membangkitkan bukan sahaja kedudukannya tetapi juga keadaan emosinya."
Malah, pelukis mahkamah Belgium menunjukkan kemudahan yang luar biasa dalam lukisannya, dengan sedikit bom. Tangannya pasti. "Rubens menggunakan tanda-tanda yang kuat, yakin dan mengalir, " kata Rubenstein, yang khususnya mengagumi lukisan artis yang dibuat dengan tiga warna kapur. "Kapur merah memang cantik, tetapi ia mempunyai batasan pada julatnya-anda sering mahu menggunakan kapur hitam dan kapur putih untuk meningkatkannya lagi pada setiap hujung julat nilai, " jelas Rubenstein. "Ia seperti perbezaan di antara chord dan satu nota yang memanjangkan jangkauan kapur merah."
Sumber:
- Peter Paul Rubens: Lukisan, oleh Anne-Marie S. Logan (Muzium Seni Metropolitan, New York, New York)
- Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, oleh Mikhail Piotrovsky, (Penerbitan Prestel, Munich, Jerman)
Rembrandt van Rijn
"Dia adalah pewaris kepada Leonardo kerana dia selalu melakar alam semulajadi, " kata Rubenstein merujuk kepada Rembrandt (1606-1669). "Gerakannya memang benar dan penuh dengan kehidupan."
Jika Rubens adalah pelukis kuasa dan mahkamah diraja, Rembrandt adalah artis manusia. Berbakat dengan keupayaan yang sama dengan garis, pelukis Belanda dan pelukis mempunyai kemahiran untuk melukis dengan cepat dan dengan yakin menambah cuci mudah yang jelas membentuk pola cahaya gelap.
Tinta dakwat yang tidak bertimbang rasa tidak menjadi halangan untuk mengejar tindakan Rembrandt; belakang jubah isterinya menyapu meyakinkan tangga di dalam Woman Carrying Down Down Anak, misalnya. Ibu dan kanak-kanak mempunyai minat khusus kepada seniman itu, sebahagiannya, kerana dia kehilangan tiga anak pada masa kanak-kanak mereka; dan kematian isterinya memecah perkahwinan yang bahagia.
"Kemanusiaan lukisannya … anda tidak merasakannya secara meluas dalam kerja orang lain, " kata Rubenstein. "Dia [seolah-olah] tahu apa yang dirasakan ibu, apa yang dirasakan oleh kanak-kanak-apa yang berlaku di tempat kejadian. Dan dia mempunyai garis spontan, luar biasa yang dapat menunjukkan struktur sesuatu, tetapi ia mempunyai arti karangan sendiri."
Sumber:
- Rembrandt's Journey: Painter, Pelukis, Etcher, oleh Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
- Lukisan oleh Rembrandt dan Sekolahnya, Vol. Saya, oleh Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, New York, New York)
- Lukisan oleh Rembrandt dan Sekolahnya, Vol. II, oleh Jeroen Giltaij (Thames & Hudson, New York, New York)
Charles Le Brun
Dengan kaki di zaman klasik dan Baroque, Charles Le Brun (1619-1690) adalah seorang artis yang berjaya mencapai kejayaan awal dan mempunyai kemahiran politik untuk kekal menjadi tokoh dominan di mahkamah Perancis dan Académie sehingga sangat lewat dalam hidup.
Le Brun adalah seorang pelajar Vouet dan seorang kawan Poussin, dan komposisinya dibina berdasarkan asas-asas, orang ramai yang sederhana, seperti dalam klasikisme. Walau bagaimanapun, angka-angkanya boleh dibengkokkan dengan tenaga seni Baroque, seperti yang ditunjukkan dalam bentuk serpentine di S tudy untuk Mucius Scaevola Sebelum Porsenna.
Le Brun melakukan lebih daripada sekadar untuk menubuhkan gaya seni Perancis yang homogen selama tiga dekad pada abad ke-17. Dia melakukan ini melalui kedua-dua dasar dan lukisan-Le Brun mengasaskan Akademi Perancis di Rom dan, pada tahun 1660-an, apa-apa komisen penting telah diasumsikan untuk mengambilnya.
Kedua-dua lukisan yang ditunjukkan dalam bahagian ini dapat menggambarkan bagaimana gaya Le Brun pragmatik berubah dengan masa-dengan kejayaan seni dan material. "Satu gambar menunjukkan konsep mudah semua bentuk, sangat seimbang dan ditimbulkan seperti Raphael; dan yang lain menunjukkan angka bergelut begitu keras, "kata Rubenstein.
"Walaupun tanpa tanda-tanda jenazah, yang angka ini mengangkat, kami merasakan betapa banyak usaha yang diperlukannya untuk memegang berat kelas ini." Penjual Le Brun dengan alat lukisan adalah legenda; satu mitos menegaskan bahawa anak seorang pemahat ini mula melukis di buaian.
Sumber:
- Charles Le Brun: Painter Pertama kepada Raja Louis XIV, oleh Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Ekspresi Gairah: Pengaruh Asal dan Pengaruh Charles Le Brun 's Conference pada penerbitan dan penerbitan oleh Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
Edgar Degas
Transformasi untuk pelukis dari lukisan yang ketat, bentuk terperinci untuk melonggarkan, lebih banyak garisan gestural adalah yang biasa, tetapi contoh-contoh ini menunjukkan evolusi ini dalam Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834-1917) untuk menjadi sangat alami.
Kecantikan menghuni kedua-dua karya, walaupun penonton tipikal mungkin tidak mengaitkan kedua-dua potongan dengan satu artis. "Dia cuba mengecilkan angka itu dalam lukisan awalnya, " jelas Rubenstein, "dan dalam lukisan yang kemudian, dia meletakkannya longgar."
Muse Degas adalah pemain ballerina, dan gerakan dan pergerakan tarian menuntut lakaran gestural percuma. Rubenstein menyatakan bahawa walaupun dalam lakaran cepat, seperti Pengajaran Penari dalam Pakaian Ketat, Degas menunjukkan geniusnya untuk komposisi-lutut hampir menyentuh tepi kertas, dan bentuk negatif yang dibentuk oleh anggota penari membuat reka bentuk yang kuat. Keindahan komposisi spontan ini menyaksikan pengalaman bertahun-tahun di belakang kajian ini.
Sumber:
- Degas dan Tarian, oleh Jill DeVonyar dan Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Edgar Degas: Kehidupan dan Kerja, oleh Denys Sutton (Penerbitan Antarabangsa Rizzoli, New York, New York)
Vincent van Gogh
Selain sebagai artis kelaparan prototipikal, Vincent van Gogh (1853-1890) adalah bidan untuk kelahiran seni abstrak, seperti yang dibuktikan dalam Vegetasi Liarnya. Sebagai seorang pelukis, dia terkenal dengan warna yang cerah dan berani, tetapi risiko yang diambilnya dengan komposisi mungkin sama-sama bertanggungjawab terhadap reputasinya. Untuk laci, van Gogh juga penting untuk pembuatan markanya.
"Van Gogh mengembangkan perbendaharaan kata yang luar biasa dengan pena buluh, " kata Rubenstein. "Dia [membuat] bahasa, dengan semua jenis tanda yang berlainan: titik, garis, keriting, garis panjang dan garis pendek. Tetapi kerana dia berada dalam kawalan semacam itu, ia [dibuat] akal. Dia membuat irama. Alam tidak mempunyai tanda ini."
Membandingkan Pollard Birches ke Vegetasi Liar menunjukkan pertumbuhan artis Belanda dari perwakilan kepada hampir sepenuhnya abstrak. Peralihan ini pada pandangan yang lebih rendah dalam potret The Zouave, di mana majoriti wajah digambarkan dengan jenis pointillism sementara ciri-ciri tertentu, seperti hidung, terbentuk dengan garis-garis klasik. "Ia adalah bahasa yang sangat peribadi dia datang, " komen Rubenstein. "Tetapi tanda itu sendiri memukau."
Sumber:
- Vincent van Gogh: Lukisan, oleh Colta Ives (Muzium Seni Metropolitan, New York, New York)
- Van Gogh: Pelukis Induk,, oleh Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)
Egon Schiele
Egon Schiele yang dilahirkan di Austria (1890-1918) adalah seorang wanita yang berpakaian mewah dalam pakaian Bohemia, seorang ahli pornografi yang dianggap sebagai seorang narcissist dan salah seorang pelukis yang paling provokatif dan tunggal dalam zaman moden.
"Berbanding dengan, katakan, Rembrandt, tidak ada banyak jangkauan, " kata Rubenstein. "Tetapi anda sentiasa tahu jika sesuatu adalah Schiele. Bagaimana ini berlaku? Itu patut difikirkan."
"Semua keterlaluannya bijaksana, " kata Rubenstein. "Penyimpangannya adalah pada wang-lekukan pinggul, bengkak haunch, garis yang jelas hambatan. Gangguan adalah berdasarkan tanda-tanda anatomi yang sangat tepat. Itulah yang membuatkan mereka begitu mengganggu. Itu, dan hakikat bahawa kerangka kerap kali sangat hadir."
Schiele telah difitnah untuk beberapa lukisan tersendiri gadis-gadis di bawah umur, tetapi pemecatan kesemua seni erotiknya mungkin kesilapan. Rubenstein menunjukkan bahawa tidak semua orang boleh berjaya berjaya. Cabaran seni Schiele melangkaui bukan sahaja masalahnya tetapi juga dalam kedudukan subjeknya, garis-garis berkeliaran yang bergetar dengan ketegangan dan warna-warna cerah yang dia gunakan.
"Lihatlah merah di sebelah hijau berjalan melalui angka dalam Pejuang, " kata Rubenstein. "Ia bercakap mengenai sesuatu yang tidak dapat dihuraikan."
Eitel-Porter menyimpulkan, "Penggunaan warna-warna yang tidak semulajadi dan penggunaan catnya yang gestural, dengan pukulan yang jelas untuk menekankan ekspresi, membezakan Schiele."
Sumber:
- Egon Schiele: Pekerjaan Lengkap, oleh Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
- Egon Schiele: Lukisan dan Air Warna, oleh Jane Kallir (Thames & Hudson, New York, New York)
Käthe Kollwitz
Käthe Kollwitz (1867-1945) melihat banyak penderitaan dan menggambarkannya dengan perasaan empati yang jarang ditandingi. Suaminya adalah seorang doktor untuk golongan miskin di Berlin, yang mungkin memainkan peranan dalam simpati sosialisnya.
Kehilangan anaknya dalam Perang Dunia I menyebabkan kemurungan yang panjang. Dia juga kehilangan seorang cucu dalam Perang Dunia II. Akibatnya, imej yang menyayat hati ibu-ibu yang menangis terhadap bayi yang sudah meninggal itu menyerang akord bergema.
"Dan dia adalah pelukis yang hebat, " kata Rubenstein. "Kollwitz boleh berbuat begitu dengan bentuk mudah. Lebih di sini mungkin terdapat beberapa tanda bijak yang menandakan rambut; dan kemudian-boom, anda terpesong ke dalam mata dengan beberapa baris yang kuat."
Kollwitz pada asalnya adalah seorang artis grafik, mengurungkan kerjanya terutamanya kepada imejan hitam-putih. "Gaya grafiknya yang berani mencerminkan kesakitan dan penderitaan orang yang kurang bernasib baik, " komen Eitel-Porter. "Itulah asas perkaranya. Dunia yang digambarkannya diliputi dalam bayangan; hanya jarang terdapat sentuhan warna yang diperkenalkan."
Echoes Rubenstein, "Dengan kesederhanaan sedemikian, dengan cara ekonomi seperti itu, dia menyampaikan simpati yang besar. Dia boleh membuat pernyataan manusia yang luar biasa dengan hanya kayu terbakar [arang] di atas kertas."
Sumber:
- Katalog Kerja Grafik Lengkap Käthe Kollwitz, oleh August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
- Lukisan Käthe Kollwitz, oleh Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)
* Artikel sumbangan oleh Bob Bahr